La huida del mundo real

por león sierra páez

Lo importante está en el texto, en cualquier texto de cualquier obra, pero sobre todo de un Chéjov, diría un elemental lector de la escena. Quizás no se equivoque. Quizás, la especialización, y la división del trabajo a la que está sometida la escena del capitalismo contemporáneo, refuerce la separación de los diversos oficios que rodean al arte del actor; es decir, puestista, director/realizador, vestuarista, escenógrafo, iluminador, productor, fotógrafo, etc. Sin embargo, nadie negará el material textual como pívot del que se suspenden, concéntricos, los demás elementos. Incluso en obras más cercanas a la danza, al happenning o a la performance, la demanda de una narrativa (aristotélica o anti/contra-aristotélica) sólida, que ilustre o explique se ancla como elemento indispensable para su lectura.

Tío Vania, así como las más importantes obras que le acompañan en la tardía constelación chejoviana (La Gaviota, Las Tres Hermanas, El Jardín de los Cerezos), abreva de la más rica tradición literaria rusa: Turgénev. Es por esto que aún cuando los paisajes emotivos de esta obra son altamente apasionantes, pasionales, el entramado narrativo de la historia así como el lenguaje en el que se expresan los personajes, se enfrentan en uno de los mayores puntos de inflexión de la literatura, y en este caso específico, de la literatura dramática universal: el realismo como reacción al taciturno romanticismo decimonónico.

Por eso es difícil Chéjov, porque usa elementos altamente románticos para despegar en la nueva forma de expresión que supuso la mirada realista de comienzos del s. XX. Una paradoja semiótica, la phronesis del paso de las aristocracias a las burguesías; y así mismo, como sus contemporáneos Ibsen y Strindberg, se zambulle en la filosofía existencialista de Shopenhauer, en su caso, o Søren Kierkegaard, en el caso de los escandinavos, para desatar violentamente diálogos y situaciones que en palabras del propio Strindberg “rompen con la tradición de presentar a los personajes como catequistas que con preguntas estúpidas provocan la réplica brillante” y así se entierra el discurso romántico a favor de un naturalismo/realismo emergente en la literatura.

Emma Bobary, Ana Kariétnaya, Nora Helmer, arquetipos anticipatorios de esta maravillosa Yelena Andreyevna que interpreta Jeanne Balibar en un correcto ejercicio de comprensión y esfuerzo, que da a Uncle Vania, un trepidante ritmo sordo a esta apuesta de la jovencísima directora.

El realizador de Oncle Vania, Jean-Baptiste Mathieu, da muestras de un perspicaz e ingenioso modelo para rodar teatro. Al igual que Louis Malle que en 1994 nos deslumbró con su espectacular Vania on 42nd Street, la apuesta de Mathieu, se realiza enseñándonos un teatro, extrayendo las escenas del escenario hacia otros lugares del edificio, aunque no llega a romper del todo la convención de la propuesta de hace diez años, donde los personajes se deshacen en actores que deambulan por el teatro y reaparecen nuevamente como personajes, logrando un complejo diálogo entre lenguaje teatral y cinematográfico. La versión más contemporánea, rinde culto a un realismo más austero y teatral, aunque los tiempos no son los de los actores sino los del realizador. El enfrentamiento entre el realizador del audiovisual y la directora de la obra es bastante patente y aunque tiene un buen pulso, hay cierta frialdad en el punto de vista. No obstante, hay que aclarar que esta película es una solución audiovisual de la puesta en escena, no del texto dramático de Chéjov, y esta característica demuestra una agudeza in extremis del realizador, que con escasísimos elementos de lenguaje audiovisual, arregla aquellos elementos dramáticos que tiene que ver con los actores de la puesta en escena, desmontando espacios y tiempos teatrales; sin embargo, no deja de pecar de lo que tradicionalmente vemos cuando veos una grabación de una obra de teatro y no una puesta en escena para lenguaje audiovisual: actores aparentemente vacíos, tiempos alongados, etc.

Los actores son intensos, pero carecen de mundo interior. Basta comparar a la Yelena que interpreta Julianne Moore para Louis Malle con ésta, para descubrir aquello que Chéjov le pudo contar a Malle y los contemporáneos desprecian: el intraconflicto. Esto hace que en una segunda mirada del filme, la intensidad dramática de la historia, esté teñida de cierta superficialidad. Eso, o la decisión voluntaria de la directora de escena, o del realizador, de superiorizar aquella anécdota narrativa, que Chéjov cuenta en esta obra, sobre el aburrimiento burgués que poblaba a esta clase social rusa, clave necesarísima para entender las razones políticas y estéticas que Chéjov demandaba y que afortunadamente Stanislawsky utilizó como material para su trabajo como director del Teatro del Arte de Moscú, pero que sin embargo, son parte del subtexto de la trama, o lo evidente de la narrativa. Todo el trasfondo intraconflictivo de estos personajes burgueses que están abrumados por el aburrimiento pero que sin embargo aman y sufren, tiene que materializarse necesariamente en aspectos simbólicos de la puesta en escena, mejor si son los actores quienes encarnan en su interior esta lucha dramática, pero lejos de ello, vemos una apuesta donde actores más o menos correctos enuncian el conflicto, pero no viven la pregunta conflictual; como si la obra escrita fuese alfa y omega de su episteme y no aquello que deben descubrir y debe sorprendernos y conmovernos como espectadores. He aquí que el dogma textual, como cualquier dogma, si no es autocrítico, es destructivo para la creación artística.

¡Ah…! Qué deseos vanos de ver más repertorio moderno en nuestros teatros, qué ganas de que actores y directores de nuestro país transiten por estas líneas maestras de la historia de la literatura dramática. Sólo un conocimiento práctico, una experiencia real construye escuela, en materia de artes. Pienso constantemente en la necesidad de una compañía de teatro de arte que llegue a un lenguaje propio, partiendo de materiales necesarios que fueron escritos por las vanguardias y que no gratuitamente, alrededor del mundo, actores y directores de todo tipo ensayan y prueban en busca de una pregunta que les sirva para estar honestamente encima de las tablas.

La directora de esta puesta en escena está recientemente nombrada al mando del importante Teatro Nacional de Estrasburgo. Esto quizás nos haga pensar en apartar un poco el ego y replantearnos el aburguesamiento que Chéjov denuncia. Nuestro teatro ha de crecer sólo si entra en una profunda crisis.

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24 de octubre de 2008

- Cada uno accede al animal desde donde puede. ¿Por qué? Porque cada uno construye su técnica; cada uno descubre (o sabe), de las necesidades propias, de su concentración y su disposición al trabajo. Conocer es construir. Investigar para conocer.

- Cuando menos se habla, más libertad se otorga.

- Mis posibilidades así como mis dificultades son el material con el que cuento. En definitiva, el material con el que cuento, es lo que tengo que conocer: redescubrir mi cuerpo.

- Las necesidades deben convertirse en principios de instrumentación técnica.

- Si las actrices hiciesen cosas como estas, no existirían aquellas que dicen que “no ha nacido el director que les haya puesto a revolcarse”…

- La única manera de no estereotipar el comportamiento de los personajes es acceder al trabajo escénico por alguna vía no racional que permita conectar al inconsciente creador del actor con la poética del autor.

- ¿Y si hubiesen dos doctores? DORN1 y DORN2. Como si se tratase de un centro rural de atención médica que cuente con dos doctores y ambos dos disfruten de las reuniones familiares de SORIN?

- Hay dos doctores.

- Elementos de construcción externa: Calor (Entorno); Edad, actitud, voz (Realidad sensorial)

Malva Malabar, primera artista de OídoSalvaje Records, acompaña a Fabiano Kueva en este cover de Bola de Nieve y Almodóvar. Sólo por este mes para bajársela gratis!

Ficha técnica
Realizadores: Petra Lataster-Czisch & Peter Lataster
País: Países Bajos
2007
82’,
Color,
Holandés con subtítulos.

Hay una interesante discusión en estos momentos dentro de una lista de correos de cineastas ecuatorianos a la que estoy suscrito. El tema es acerca de la necesidad de revigorizar la mirada del cine de género dentro de la producción fílmica de nuestro país. Algo del debate tiene que ver, no con la labor de los realizadores, si no más bien con la generación de público que demande este otro tipo de cine. Este trabajo ya viene siendo desarrollado sistemática y ampliamente por los organizadores del Festival EDOC (Encuentros del Otro Cine, Festival Internacional de Cine Documental), que ya va, con ésta, por su séptima entrega.

Dentro de una profusa programación que advierte grandes temas y dentro de ellos un panorama diverso de pequeños-grandes temas como cada documental, encontramos una película singular, If We Knew (Si hubiéramos sabido), de los holandeses Petra Lataster-Czisch y Peter Lataster, que cuenta el periplo complejo de una unidad de cuidados intensivos para neonatos del hospital Groningen's University en Holanda.

Guardando de manera casi obsesiva la apariencia de documento, la película se nutre de imágenes documentales de algunos casos clínicos, entrevistas a los pediatras –que jamás toman el plano para hablar en frontalidad ni peor aún escuchamos la voz del narrador, entrevistas-diálogos entre médicos y pacientes y atinados recursos que, lejos de ilustrar, provocan un hilo narrativo independiente dentro de la trama. Así, la película construye una narrativa muy peculiar y casi subjetiva, constituyendo en el espectador a ese ser omnisciente que sabe y conoce todo lo que ocurre y al que no hay que contarle las cosas desde ningún lugar paternalista o pedagógico. El documental, como género fílmico, gana con If We Knew, una limpieza imposible; los hilos de la trama se mezclan imperceptiblemente entre imágenes y el off de las entrevistas a los médicos; la cinta se nos revela casi como una ficción donde las historias de los protagonistas no son sino documentos reales de personas y pacientes reales. El filme sucede como un imperativo trágico de su propia narrativa intrínseca y la trama de la vida se descubre predecible y fatal mientras se cuenta.

No se puede obviar todo el constructo ético y moral que este audiovisual plantea. Es más, pienso que esa es la característica más interesante del género documental, su asidero real que suele convertirlo en un fenómeno vinculante. Ahí intuyo especialmente necesario este documental dentro de la actualidad de nuestra sociedad, atando temas tan importantes como la ética medica, la objetivación de la vida y el uso que se les da a los derechos civiles en cada país. Inmersos como estamos en discusiones sobre cómo constituirnos como sociedad civil, las noticias de los asambleistas en Ciudad Alfaro se ven muy bien nutridas con las reflexiones de este par de realizadores holandeses alrededor del derecho a la vida y lo que ello significa en la responsabilidad civil.

El dictamen del protocolo para la aplicación de la eutanasia activa en bebés prematuros que fueran desahuciados y/o sufrieran insoportablemente, ha supuesto el empoderamiento de las decisiones cruciales por parte de la unidad de cuidados intensivos de este hospital Holandés generando grandes discusiones y rechazo alrededor del mundo.

La delicada realización del filme conmueve y en cine esto se llama arte.

La creación artística es ante todo un punto de vista, una posición política acerca del objeto de deseo propio o ajeno. En este paradigma, Fabiano Kueva transita mundos creados a partir de la subversión de los discursos del sujeto deseante o espectador y convierte a su trabajo en una constante deconstrucción del escondite narcisista que puede brindar un escenario sea este físico o virtual.

En la lucha dialéctica que ocurre entre lo que soy con lo que no quiero ser, o entre lo que debo aparentar con lo que me da la gana de no hacer se construye una propuesta nueva y verdadera que sostiene o es más bien sostenida desde un desarrollo histórico de la palabra -o vox, como él mismo narra en uno de sus más incisivos trabajos, donde pone a debatir la creación radiofónica de Orson Welles con la construcción real de una palabra representada que contiene y es, se crea a sí misma más allá de la virtualidad. La voz como sujeto político que responde a los nuevos escenarios de la representación ciudadana. O su ausencia.

El tan últimamente puesto de moda empoderamiento de los espacios restringidos para ciertos actores de la cultura contemporánea del capitalismo global y reggaetoneano, nos deja a la deriva dos formas de injerir en la historia: instituir o subvertir. Este politicum binario ya en el propio enunciado está determinado por el discurso de poder y hereda de él subrepticiamente la capacidad para reconstruir y reconstruirse inclusive en la negación, en la insurgencia, en el constructo cultural dialéctico.

Ahí donde muchos intentan amalgamare en la industria cultural y otros fracasan en la elaboración contracultural; ahí donde el delicado límite de la honestidad es tan incómodo que es preferible el sitio burgués del espectador, Fabiano Kueva habita en la paradoja. La creación de Kueva, a parte de diversa, da cuenta de algo más que productos artísticos pret à porter, cada proyecto nuevo en más bien un atado de preguntas incómodas que van determinando la propia creación del objeto artístico/artesano y el devenir cultural del uso y consumo del mismo.

La política de creación de Kueva a través de la plástica, el audio, la escena, las letras, se insinúa como una búsqueda obsesiva de arquetipos que responden a aquellos interrogantes que lanza con cada apuesta y eso, precisamente, lo convierte en una exquisitez cultural para entendidos (incómodos) o una rareza artística inclasificable.

Más allá del ambiguo territorio que asoma al ponerle racionalidad y academia a la observación del trabajo de Fabiano Kueva, vemos claramente un punto de vista necesario y transformador de un artista que se construye -sólidamente- en su propia autocrítica. Todo un lujo.

Frente a mi oficina de empleo está el Museo Reina Sofía. Es curioso cómo se relativizan las cosas cuando uno está en paro. Hoy decidí ir a visitarlo en solitario, después de acercarme a ver una oferta de empleo de dependiente y recepcionista de una óptica.

No hay nada como un museo a muy tempranas horas del día. El silencio, las obras, las paredes están como para ti. La experiencia hoy fue además singularmente impactante por el buen hacer museográfico. He de decir que la ampliación del Sofidú me gusta más que el edificio antiguo, cuestión de gustos supongo. Y aunque parece gigante por fuera, el espacio interior es notablemente más pequeño que lo que parece y lo hace ser muy llevadero a la hora de caminarse una exposición demasiado grande.

He visto tres temporales que me han interesado especialmente. A los cinéticos los conocía porque el año pasado, visitando Ecuador, vi una exposición monográfica organizada por el Ayuntamiento de Quito sobre la obra de Jesús Soto, desde sus pequeñas esculturas con ilusiones ópticas a varios de sus penetrables de gran formato. Ahora, con las obras de Soto, más cinéticos (una gran variedad), comparten esta colectiva que incluye visiones del movimiento de los surrealistas o los constructivistas, quizá en un empeño más didáctico que formal. Aún así, lo estrictamente cinético como planteamiento y desarrollo está ampliamente recogido. Especial mención tiene la obra de Carlos Cruz-Díez que sorprende por cómo emociona al visitante (he colgado fotos en mi flickr).

También he visto dos pequeñas temporales además: Wolfgang Laib y Alberto Peral.

Sobre Laib decir que es una experiencia acerca de la experiencia. Si podéis ir entre semana y a una hora temprana, mejor (ojo con los alérgicos, pues utiliza polen para una de sus obras). Son cuatro piezas de extraordinaria pulcritud y espacio. El concepto artístico o la verdad poética que esas piezas encierran está paradójicamente encerrado en la producción y los materiales con los que están trabajados: Arroz, cera de abeja, mármol, leche y polen de avellano. La simpleza antropológica como pista de despegue hacia el absoluto filosófico y en medio: el color, el olor, la rabia, la pobreza y el ser humano, pívot de la creación.

Para terminar, Peral, en un imposible y redundante cenital solar, no deja sombra sobre figuras y geometrías de unos bailes ancestrales de la península. Proyección en vídeo, que en un bucle eterno, dibuja un cuadro de personajes y caleidoscopios sobre tierra. Dentro solo oscuridad y silencio. Sobrecogedor.

Por sorpresa nos hemos visto sentados en una butaca de los cines Abaco, del centro comercial Ciudad de los Ángeles, en una proyección de una película del director ecuatoriano Sebastián Cordero. El hecho se concreta gracias a la invitación de la Embajada del Ecuador y de un videoasta amigo, Javier Izquierdo, quien estaba además incluido en una mesa redonda que se celebró al día siguiente en la Casa de América y que trataba sobre el desconocido cine ecuatoriano; mesa redonda y proyección de dos películas, la estéticamente fallida 1809 - 1810 Mientras llega el día, de Camilo Luzuriaga y Crónicas, del novel, y veterano a la vez, Sebastián Cordero, han sido integradas en la VII Semana de Cine La Chimenea de Villaverde ya que este año se ha rendido tributo a la filmografía Ecuatoriana. Así, la cineasta Viviana Cordero (hermana del director de Crónicas), fue invitada para presidir el jurado de esta entrega, en la que ya había participado con su última creación fílmica Un Titán en el Ring, en 2004.

En otro orden de cosas, es bueno mencionar que en Madrid, en la Biblioteca Nacional, se expone hasta el 26 de agosto, una colección impresionante del arte ecuatoriano que abarca más de seis mil años de expresión plástica en el Ecuador. Pese a no tener una museografía que explique los diversos estadios de desarrollo supeditado a relaciones de producción, ésta muestra, se orienta lúcidamente por un único parámetro -quizá exclusivamente positivista-, que es la forma, la expresión formal de la obra de arte. Esto hace que observemos piezas de artesanía precolombina o artefactos de ritual cristiano de la colonia como piezas de exclusivo valor artístico (lo que limita un análisis de las causas y principios). No obstante, si se tiene un conocimiento previo de las escuelas artísticas y de las vanguardias sumado un pequeño conocimiento de la historia precolombina y la colonia (es decir todo) se puede admirar con entusiasmo una obra extraordinaria.

Es en el marco de esta muestra ecuatoriana organizada por el SEACEX que el ecuador se actualiza y confluye en tiempo y espacio aquí en Madrid. El día 6 y 7 de junio asistimos a la magnífica muestra de cine documental ecuatoriano con trabajos de Juan Martín Cueva, Julián Larrea y Pablo Mogrovejo, entre otros. La muestra de documental, por estar menos anclada al negocio de la distribución de audiovisuales y por no acarrear premios o galardones, resultó muy variada y sorprendente, algo pasa en el audiovisual ecuatoriano que ha incrementado su producción notablemente y la inclusión del vídeo digital hará que sea más barato producir y así ver más apuestas fílmicas del otro lado del charco.

Todavía restan actividades en la Biblioteca Nacional, como talleres y una escuela de verano así como todavía tiene que estrenarse este viernes en salas de cine comercial la coproducción de Sebastián Cordero y Guillermo del Toro, Crónicas. Así que todavía tenemos tiempo de ver más allá de nuestras narices y aprender un poco de ese país con nombre de línea geográfica de donde vienen tantos y tantos migrantes a trabajar en España.

Recuerdo la caja negra sobre la estantería que también contenía un muñeco de Sesame Street, unas postales de algún sitio que no identificaba, un Tom Cruise que desprevenido miraba a la cámara que lo retrataba en un irrefrenable atrapar su belleza y otras tarjetas de estrenos teatrales de Madrid; la luz que entraba por la ventana siempre daba de manera indirecta una estela azul que se confundía con el amarillo tungsteno de la casa del chico que frecuentaba por esa época; todo amarillo con una suave estela azul que me recordaba que afuera hacía frío, un frío azul con blanco.

Entregas y amor;
sólo puedo decir: gracias.

Prontamente anunciaré el lugar y la hora del primer visionado público...!

a veces pienso que tus caricias son

parte de un entramado mágico

pero poco a poco

regreso

al hechizo de mi pensamiento.